La Novena Sinfonía se extiende mucho más allá del ámbito de la sala de conciertos y ha impregnado la cultura occidental en muchos niveles, incluidos los ámbitos sociopolítico y comercial. La música de la Novena, particularmente la melodía de la “Oda a la Alegría”, nos resulta tan familiar que casi ha perdido su carácter único y ha adquirido la calidad de la música folclórica; es decir, se ha despojado de su identidad “compuesta” (una melodía escrita por Ludwig van Beethoven), y simplemente existe dentro del oído comunal de nuestra conciencia colectiva.
Si bien algunas obras clásicas están inextricablemente vinculadas a la época en que fueron escritas, las profundas declaraciones musicales de Beethoven sobre la libertad, la igualdad y la humanidad resuenan con tanta fuerza hoy como lo hicieron en el estreno de la Novena hace 200 años. Esto fue evidente para todo el mundo cuando Leonard Bernstein dirigió una asamblea internacional de instrumentistas y cantantes en una interpretación histórica de la Novena de Beethoven en el Schauspielhaus de Berlín Oriental (ahora Konzerthaus) el 22 de diciembre de 1989, tres días después de la caída del Muro de Berlín. Para enfatizar el evento histórico, Bernstein sustituyó la palabra “libertad” por “gozo” en la famosa letra del poeta Friedrich Schiller en el movimiento final. La actuación se transmitió por televisión en todo el mundo, atrajo a más de 200 millones de espectadores y la grabación del concierto se convirtió en un éxito de ventas mundial.
Para 1822, Beethoven se había vuelto completamente sordo y emocionalmente aislado. Cinco años antes, cuando tenía 47 años, Beethoven escribió en su diario: “Antes de partir hacia los campos Elíseos, debo dejar atrás lo que el Espíritu Eterno ha infundido en mi alma y me ordena completar”. Solo y amargado, Beethoven se centró casi exclusivamente en su legado musical.
El elevado saludo al espíritu humano expresado en el poema de Schiller An die Freude (A la alegría) había resonado en Beethoven durante muchos años; en 1790 fijó unos versos en una cantata escrita para conmemorar la muerte del emperador Leopoldo II; también incluyó partes del poema de Schiller en su ópera Fidelio. “La búsqueda de una manera de expresar la alegría”, como la describió Beethoven, fue el tema de su última sinfonía. Con ese fin, Beethoven editó y arregló las líneas de Schiller para satisfacer sus necesidades musicales y dramáticas, utilizando una melodía de la Fantasía coral que había escrito 20 años antes.
La sinfonía se abre con las cuerdas haciendo sonar una serie de acordes huecos abiertos, ni mayores ni menores, que son armónicamente ambiguos: ¿qué tono es este? Los quintos se convierten en una declaración masiva que presenta un tema rítmico de puntos pesados. El poder y la intensidad de este movimiento presagia el final.
Como era su costumbre, Beethoven rompió con la convención sinfónica al escribir un scherzo en el segundo movimiento. La música estalla con octavas de cuerdas dramáticas y timbales resonantes. El tema principal, una fuga contrapuntística, da paso a una recatada melodía de viento. Debajo de su sencillez lúdica, la agitación apenas contenida del scherzo late en las cuerdas, como un caballo de carreras pateando en la puerta de salida.
En una sinfonía sinónimo de innovación, la desviación más significativa de Beethoven de la convención es la inclusión, por primera vez, de un coro y solistas vocales en un género antes exclusivamente instrumental. Los violonchelos y los bajos tocan un recitativo instrumental, luego cantado por el barítono, al que sigue la melodía "Joy" sin acompañamiento. El barítono solista introduce el poema de Schiller con palabras de Beethoven: “Oh amigos, no estos tonos; en cambio, encendamos otros más agradables y gozosos.” El coro repite los últimos cuatro versos de cada estrofa como estribillo, seguido por el cuarteto vocal. Sigue un famoso interludio, la Marcha Turca (esta música se consideraba “turca” por la inclusión del triángulo, los címbalos y el bombo, adiciones exóticas a la orquesta de la época de Beethoven). Después de una serie de variaciones, el coro regresa con una monumental doble fuga final.
En las notas del transatlántico, Celibidache explicó que Der Taschengarten evolucionó y se inspiró en muchas "conversaciones intensas" que tuvo con niños, y describió el trabajo como "una composición que viola las reglas". La narrativa de Celibidache para cada movimiento y sus comentarios generales sobre la pieza fueron escritos claramente pensando en los jóvenes oyentes. En general, la música tiene una cualidad alegre y caprichosa, aunque ciertos movimientos, particularmente “Hedgehog, where are you?” explorar reinos más oscuros. Abundan los colores, las emociones y las texturas interesantes, y a lo largo hay pasajes que evocan la música de Debussy, Prokofiev y Bartók, entre otros.
© Elizabeth Schwartz.